Me gusta la música que se salga de lo corriente, que no transite por terrenos abonados y, la mayoría de las veces, tan agotados que pasa desapercibida. Por eso recibir el disco de Melange es una bocanada de aire puro, de ese oxígeno medicinal que le suministran a quienes sufren problemas respiratorios.
Y si encima la propuesta llega de Asturias la alegría es doble. Este proyecto se cimenta sobre un dúo liderado por un músico bien conocido en estas tierras como es Pablo Canalís (bajo, percusiones y voz) al que se le ha unido el desconocido Alejandro Martínez Ares (acordeón).
El mero formato de este proyecto de estudio es sumamente interesante y los resultados sorprendentes como poco. Su debut nos acerca a universos alejados pero no contrapuestos; de la música académica española, la llamada clásica, a la psicodelia made in USA, pasando por el reggae, Brasil o el folclore patrio. Un todo que podríamos encuadrar dentro de la fusión jazzística
Así nos sorprende para bien su perversión de ‘People Are Strange’ (GoEar), de The Doors, convertido en una pieza tabernaria que podría haber firmado el propio Matt Elliott, la apropiación de ‘Suspiros de España’, ese pasodoble tan cañí, o el ‘Asturias’ de Isaac Albéniz. Y son sólo tres ejemplos de la riqueza de un trabajo de cómo poco sobresaliente.
Lo más extraño de todo es que Pablo Canalís comenzó su carrera como bajista de Nightjar, formación de metal thrash con toques progresivos que incluso editó un álbum Thru The Shadows y participó en el disco Transilvania 666. ¿Qué hace un ex bajista de metal tocando jazz?
La pregunta se la hice directamente a él y su respuesta fue clara. No reniega de su pasado heavy pero gracias a esa etapa y a su pasión por la música fue descubriendo nuevos sonidos, nuevos artistas y otras escenas de las que aprendió muchísimo. El bajista, que también milita en Senogul, se introdujo en las llamadas músicas del mundo y hoy en día es un reputado multiinstrumentista, especialmente experto en percusiones.
En Melange el acordeón es el eje sobre el que pivota el proyecto, un instrumento con capacidad para mimetizarse o adaptarse a estilos más allá del jazz y folk. Con él el dúo ha querido abrir el concepto popular que se tiene sobre el acordeón. Gracias a la colaboración de un sinfín de músicos procedentes de otras escenas: brasileña, prog rock, rock o pop, han trabado un repertorio que se sostiene. La pena es que sea un proyecto de estudio, un proyecto que también nos llega a través de la marca Disconsonancia (Senogul y Cuac!).
Es probable que el excelente disco de debut de Cuac!, la formación que acuñó el término onomatopop para etiquetar su música, será el último. No ha habido malos rollos entre ellos, la vida misma les ha llevado a tomar caminos diferentes: trabajos alejados, compromisos musicales ineludibles…
Valga si cabe este legado que nos han dejado en forma de un larga duración en el que el grupo nos resume su actividad casi en la sombra, a base de un par de maquetas que circularon entre unos pocos privilegiados. Aquellos temas, no son los de la maqueta del huevo sino los de la siguiente los que encontramos aquí en su versión definitiva.
Tal y como están las cosas, el cuarteto no quería que su paso por este mundo quedara sin retratar como debería y se las han arreglado para editar un álbum autoproducido. Ellos se lo han hecho todo con el apoyo logístico de la gente cántabra de Miedito Records y el resultado es esta colección de doce canciones.
La base es pop pero nada que ver con el concepto estandarizado que todos tenemos; por los canales de ese pop fluye el jazz, el prog rock, la electrónica, el folk e incluso el funk, y todo con una facilidad y un acabado verdaderamente atrayente. Onomatopop, que decíamos antes, con referencias a onomatopeya, y a un resultado final nada habitual.
Porque las letras de Laura Pire no son de un idioma concreto. Edu García Salueña, teclista del grupo, los define como guiños idiomáticos, “entonanciones que remiten al alemán, al inglés o al alemán; mucha experimentación vocal, pero las letras importan en sentido musical”. Y es que la cantante y bajista, incluso las tiene escritas y no pudieron entrar en el libreto del disco por cuestiones operativas.
Hay una cierta ironía muy del grupo a la hora de titular los temas: ‘No te conocía ese jersey’, ‘Voleybol para adultos’, ‘Helicentrismo’ o ‘Ex Beach It’ (YouTube), que arriba podéis ver en una primitiva, pero encantadora, versión en directo. Todos ellos dan buena cuenta de por donde ubicar los parámetros estílistos de esta singular formación.
Cuac! lo han editado bajo el sello de la Disconsonancia, una marca personal que engloba a todos los proyectos que han salido de Senogul, donde militan tanto el teclista como el guitarrista Pedro A. Menchaca, y mantienen en cierta medida la estética de aquella formación. En su página de MySpace encontraréis cómo haceros con una copia de este singular trabajo, cien por cien recomendado.
Dentro del mundo del Jazz las propuestas nuevas que rompen la barrera que separan la escena propia de los seguidores de dicho estilo y del público en general no son muy amplias, por no decir casi inexistentes, así que cuando llega un joven de 26 años llamado Christian Scott con un gran talento bajo el brazo, la ocasión hay que aprovecharla.
Desde Concord Records, un subsello estadounidense especializado en Jazz perteneciente a Universal, llevan años apostando por él y desde que publicase Rewind That (2006) su fama ha crecido como la espuma, llegando, incluso a compararle con Miles Davis, de quien Scott se confiesa un gran fan.
Christian Scott – Litany Against Fear (Live @ Fasching, Stockholm 13-02-2009)
En este 2010 publicará su nuevo álbum, Yesterday You Said Tomorrow (Concord), el cual presentó ayer en la Sala Clamores, el marco perfecto para una buena noche de Jazz en Madrid. Para ello, el de Nueva Orleans vino en formato quinteto, con una formación excepcional que tiene a Matt Stevens como principal apoyo a la guitarra, Jamire Williams a la batería, Kristopher Funn al contrabajo y Milton Flecther al piano.
Cinco músicos que ayer tuvieron grandes momentos de lucidez, en especial en los correspondientes solos que cada instrumento disfruta dentro del Jazz, de los que me quedo con el vacile con el que nos deleitó el batería, muy correcto llevando el ritmo durante todo el concierto, siendo una parte muy destacada del quinteto.
Las canciones dieron pie a que Matt Stevens fuese uno de los que más se soltase a la Gibson, con una rapidez en el recorrido del mástil asombrosa y la obtención de un sonido que luego daba paso a la incorporación de la particular trompeta de Christian Scott a la que en la primera parte del directo se la echó más en falta, con desarrollos más evidentes que fueron mejorados por un final digno de elogios, donde sí se vieron destellos del gran talento del joven trompetista.
Un gran concierto de un artista que apenas lleva 14 años en la escena y que ha llegado a colaborar con Prince o Doonald Harrison. La sombra de Miles Davis, más que favorecerle, por el momento le viene grande, puesto que mencionar al californiano son palabras mayores, pero quién sabe si en un futuro Christian Scott aporta un lenguaje nuevo al Jazz. Habrá que seguirle los pasos para no perderse ningún detalle.
Todos pensaban, yo el primero, que Charles Aznavour se había retirado pero no, su actividad musical no ha decaído en ningún momento. Tres discos en tres años no es ningún moco de pavo para un cantante que va camino de los ochenta y seis años. Tras Color ma vie (EMI, 2007) y el antológico en directo Charles Aznavour et ses Amis. A L’Opera Garnier (EMI, 2007), nos sorprende con un disco de jazz.
Charles Aznavour había publicado hace diez años otro disco de jazz, Jazznavour, genial nombre para un trabajo en el que estuvo acompañado de grandes artistas del mundo jazzístico: Dianne Reeves, Jacky Terrasson, el tristemente fallecido Michel Petrucciani o Richard Galliano, con un resultado inmejorable.
Ahora, el denominado Fran Sinatra francés, está acompañado en este disco que se publica a propósito para estas Navidades, siempre habrá un padrino, una madrina, una abuela o una madre que beban los vientos por el pequeño Charles, por The Clayton Hamilton Jazz Orchestra, un “rendezvous” con una big band que tiene una trayectoria de un cuarto de siglo a sus espaldas.
Charles Aznavour ni eclipsa a la big band ni ésta lo eclipsa, parece que este encuentro es una suerte, una penúltima oportunidad para que el cantante parisino de origen armenio brille como lo ha venido haciendo a lo largo de toda su larguísima carrera de éxitos en multitud de idiomas, incluido el castellano.
Aznavour no ha elegido aquí un repertorio de estándares sino canciones propias, clásicos suyos reconducidos bajo el lenguaje jazzístico, aunque hay dos temas nuevos: ‘Viens Fais-moi rêver’ (GoEar) y ‘Je Suis Fier de Nous’, a dúo con Rachelle Farrell. El resto son bien conocidos: ‘Comme ils disent’ (GoEar), ‘A Ma Fille’ (GoEar), ‘La Bohême’ (GoEar), ‘Il Faut Savoir’ o ‘Je N’Oublierai Jamais’.
Los aficionados a sus canciones quizás no entiendan muy bien estas nuevas versiones, pues suenan bien distintas, diferentes a aquellos originales que bailaron nuestros mayores, que fueron la banda sonora de generaciones pasadas. De todos modos, lo que ha hecho Aznavour es encomiable. Ha hecho lo que ha querido y con grandes músicos que han dotado de una nueva musicalidad, enriqueciendo con los nuevos arreglos y armonías canciones atemporales.
Jacky Terrason le acompaña al piano, inmenso en el comienzo de La Bohême, y también están con él el saxofonista Jeff Clayton y el batería Jeff Hamilton, que fue el cofundador de la orquesta. Con todos ustedes, Charles Aznavour & The Clay Hamilton Jazz Orchestra, un disco que sale al mercado el martes 1 de diciembre.
De un grupo como Orthodox se puede esperar siempre un trabajo interesante y su esperadísimo tercer álbum, Sentencia, no es para nada ni cómodo de escuchar ni previsible. Los sevillanos se han ido por la tangente y se han desmarcado claramente del metal extremo que nos presentaron en Gran Poder y, en parte, en Amanecer en Puerta Oscura.
De hecho parece que han tomado los logros más jazz y vanguardistas de su segundo larga duración y lo han puesto en común en clave free en el segundo de los temas de este disco, un corte titulado ‘Ascensión’ que dura más veintiseis minutos y medio. Con estos datos, muchos ya habréis puesto los pies en polvorosa, pues mentar una música que requiere todos los sentidos es como mentar a la bicha.
Inaccesibles y esquivos, Orthodox es un trío que se permite explorar una y otra vez desde su atalaya privilegiada el fértil folclore de su tierra, firmando una ‘Marcha de la Santa Sangre’ (2’40”) (Imeem) que pone los pelos de punta, sea por esas trompetas mortecinas o por el ambiente totalmente enrarecido.
Igualmente espeluznante, es el tercer y último tema del disco, ‘...y la muerte no tendrá dominio’ (4’19”) (Imeem). Su densísima entrada con ese órgano de iglesia conventual tocado por el fantasma de la ópera me llevó a ponerlo como sintonía del móvil. Inmenso como un páramo desierto, puede resultar agobiante e incluso inquietante pero tiene una rara belleza que soy incapaz de describir con palabras.
La palma se la lleva Ascensión (Imeem) un tema que permite elucubrar sobre el estado de forma del trío, que no atiende a las reglas lógicas del mercado. La pieza es oscurísima e impenetrable, con multitud de aristas y facetas que sorprenden a cada escucha.
Los Orthodox más expansivos y libres aparecen aquí en todo su esplendor, utilizando metales, cuerdas, piano y unas voces como poco inquietantes, todo ello sin llegar al caos. A tener en cuenta la densidad máxima que adquieren entre el minuto 14 y el 16. Sobran las palabras, pues.
Difícil de llevar al escenario Sentencia por su complejidad y la combinación de instrumentos que contiene, es además una pieza que todo coleccionista que gusta de transitar por estos territorios debería poseer, máxime teniendo en cuenta que el diseño es espectacular.
Existe una edición en digipak pero sin duda, la que Alone ha prensado en vinilo de 180 gramos negro y de color, en carpeta doble y portada en relieve es una joya firmada por Walrus & Eggman, cuya portada muestra lo que parece ser un emblema masónico que habrá que investigar; las cenefas me recuerdan a las de una lujosa silla de montar.
Me quedaba por comentaros mis impresiones sobre el concierto en la Plaza Mayor de Gijón de The Herbaliser, que cerró el casi maratón que los responsables de festejos del ayuntamiento de la ciudad nos ofrecieron este verano.
Mucha gente se acercó esa tarde-noche para ver al grupo inglés que lideran Ollie Teeba y Jake Wherry, no tanta como dos días antes con la Orquesta Buena Vista Social Club, pero la suficiente como para arroparles como se merecían.
Quienes siguen a la banda desde sus inicios habrán notado que han pasado de ser un proyecto a base de samples con el hip-hop como base principal, pero con un componente importante de jazz y funk, a ofrecer una propuesta cada vez más orgánica en la que los instrumentos ?reales? son el ochenta por ciento de la ecuación.
The Herbaliser presentaban en la ciudad su último álbum, Same as it Never Was (¡K7, 2008), su primer trabajo tras dejar la escudería Ninja Tune, aunque está recién calentito su Session 2, firmado como The Herbaliser Band, en el que repasan en directo clásicos de todas sus épocas con la banda habitual que les secunda.
En este lanzamiento, en su último disco de estudio y en su concierto de la Plaza Mayor se apreció claramente que The Herbaliser tienen como prioritario la búsqueda de sonidos bastante cercanos al de las bandas sonoras de Lalo Schiffrin frente a los ritmos bailables de antaño, además de interesarles sobremanera el soul-pop más clásico, evidente en su interpretación en el bis del ‘Hard to handle’, de Otis Redding, que obligo a mover los pies hasta al más remiso.
Esto dos aspectos del grupo nos los mostraron claramente; el primero, asimilado a los scores del compositor argentino ya de salida con ‘Same as it never was’, primer tema de un recital, que podéis ver y escuchar arriba, en el que el saxofonista Chris Bowden, que también se acercó al Moog y al teclado, ejerció de maestro de ceremonias pidiendo desde el comienzo la colaboración de un público que estaba allí delante de ellos y no había pagado ni un duro por verles.
Ese quizás fue el error de bulto de los británicos, pretender modelar a su antojo a una audiencia que no era su público. De todos modos a mí me pareció una gran banda, solvente e interesante en todos los palos que tocaron.
Quizás de todo su recital me quedo con la parte instrumental más que con la vocal, siete temas, entre ellos el single ‘Can’t help this feeling’ y la genial ‘Stranded on earth’, primera del bis, que cantó la vocalista Jessica Darling, una blanca de alma más negra que el carbón.
De la primera me engancharon con las versiones de las primerizas ‘Mr. Chombee has the flaw’, ‘Another mother’ y ‘Ginger has the fence’, con las densísimas Geddim!, ‘Blackwater drive’ y el rollo pelín progresivo (¡esa flauta travesera!), de Andrew Ross, en ‘Sensual woman’, que a mí me recordó a un score de película de detectives de blaxpotaiton de los primeros setenta, pero que alguno recordareis que sonaba en Snatch.
Jazz
En Melange el acordeón es el eje sobre el que pivota el proyecto, un instrumento con capacidad para mimetizarse o adaptarse a estilos más allá del jazz y folk. Con él el dúo ha querido abrir el concepto popular que se tiene sobre el acordeón. Gracias a la colaboración de un sinfín de músicos procedentes de otras escenas: brasileña, prog rock, rock o pop, han trabado un repertorio que se sostiene. La pena es que sea un proyecto de estudio, un proyecto que también nos llega a través de la marca Disconsonancia (Senogul y Cuac!).
Cuac! lo han editado bajo el sello de la Disconsonancia, una marca personal que engloba a todos los proyectos que han salido de Senogul, donde militan tanto el teclista como el guitarrista Pedro A. Menchaca, y mantienen en cierta medida la estética de aquella formación. En su página de MySpace encontraréis cómo haceros con una copia de este singular trabajo, cien por cien recomendado.
Jacky Terrason le acompaña al piano, inmenso en el comienzo de La Bohême, y también están con él el saxofonista Jeff Clayton y el batería Jeff Hamilton, que fue el cofundador de la orquesta. Con todos ustedes, Charles Aznavour & The Clay Hamilton Jazz Orchestra, un disco que sale al mercado el martes 1 de diciembre.
Existe una edición en digipak pero sin duda, la que Alone ha prensado en vinilo de 180 gramos negro y de color, en carpeta doble y portada en relieve es una joya firmada por Walrus & Eggman, cuya portada muestra lo que parece ser un emblema masónico que habrá que investigar; las cenefas me recuerdan a las de una lujosa silla de montar.
